El Ser Anónimo - Vinicio Bastidas

Biografía

Vinicio Bastidas nació en 1971 en Quito, Ecuador. Estudió arte en Quito y se diploma en 1998 su pintura y grabado. Entre sus estudios académicos es especialmente el curso "Conciencia Creativa" destacan que fue impartida por el profesor Lupe Álvarez (1997, Quito). Él tiene varias becas para estudiar en el extranjero obtener (1994, México en 1997, Francia).

En 1995 ganó el primer Precio en el dibujo con el "Salón Nacional de Pintura y Dibujo" (Salón Nacional de Dibujo y Pintura) de la Fundación El Comercio, de Quito. Que el año 1990 se realizó una serie de exposiciones en América Latina y Europa, estos últimos son los siguientes: 2010 en Madrid (España) en el Gaspar galería Luis, 2010 "El Ser Anonimo" (La naturaleza anónima) en Munich (Alemania); "Plataforma Obras 3" en la plataforma 3, "híbridos" y Latinlithos "en la galería Felgueres Mercedes (2009)," Diálogos Urbanos "(diálogos urbanos) en Gasteig (2008)," Memento Mori "en el espacio eV (2005) , "All About ... Domagk" en el apartado de galería White (2005), 'De amor y de barbarie "(el amor y la barbarie) en EineWeltHaus (2002)," Una habitación libre "instalación de arte conceptual en el Mariandl Hotel ( 2002) y la exposición de pintura de la serie "Los anti Heroes" (El anti-héroe) en la galería Goethestr. 53 (2001).

Entre las exposiciones de los países latinoamericanos, en especial de la exposición en el Museo Nacional de Lima, Perú (1996) y la exposición "Taller de Tagua" se mencionan en el Centro de Estudios Andinos en la ciudad de México (1994).

De 1990 a 1999, Vinicio Bastidas hizo en su natal Ecuador más de 20 exposiciones y ha participado en las exposiciones más importantes del país: entre los de Salón de París la Alianza Francesa (1998), Salón de Julio, Guayaquil (1998), Salón Mariano Aguilera, Quito, primer Salón de Pintura y Dibujo Fundación El Comercio (1995).

Vinicio Bastidas vive y trabaja en Munich, su estudio está situado en la colonia de artistas "Plataforma 3". En su última exposición plataforma cuenta con 3 (2011), en Munich, Alemania, "Plataforma 3 Futures".

Obras

“Caravaggio in Oval I” (2011):

Análisis compositivo: la obra está realizada en base a lápices, lo que le da un valor artístico especial, donde encierra en un óvalo a la silueta de una obra conocida, donde al encontrarse esta composición en el centro del cuadro, le da bastante jerarquía.

Alrededor de esta figura, están dispuestas varias formas óseas como vértebras y partes de una columna vertebral, las que describen la esencia humana del dibujo y que se encuentran ubicadas de forma ascendente en la composición.

Posee también otras formas variadas como animales y elementos marinos sobre un fondo blanco, el cual lo es de toda la obra que, sin duda le da a la composición un aire sumamente puro y continuo.

Al encontrar también formas sólidas en la base de la imagen, entendemos que se trata de una figura que no flota en el espacio y que por lo tanto no se sugiere un sentido divino involucrado en la obra, sino que más bien se trata de reflejar la simplicidad de la belleza dentro de una existencia terrenal.

Análisis icónico: en orden tendríamos que para esta obra se utilizan dentro de las variadas formas ecológicas, las partes de la columna, dispuestas en cierto modo que le dan movimiento en la composición.

Encontramos también formas o figuras con cierto grado abstracto  pero que sugieren ser elementos marinos como peces, plantas, piedras en el costado inferior izquierdo, lo que le da la idea de que la imagen principal está asentada sobre una base existente y no flotando en el espacio.

Tenemos un óvalo el cual encierra al dibujo principal, el cual parece ser modificado de la pintura famosa, conservando de ésta, únicamente la silueta.

Utiliza también al parecer, pintura de óleo color crema, con la que da un efecto de estelas dispersas en varios lugares de la composición.

Todo parece conformar un paisaje natural y a la vez abstracto, en el que se funden la imaginación y la realidad, con formas ubicadas en un contexto compositivo muy interesante.

Análisis personal: Es una obra muy interesante y agradable de ver, a pesar que en cierto sentido puede encontrarse cierto desorden pero al ser inmediatamente armónico y bueno a la vista, se entiende que cada uno de sus elementos posee armonía uno con otro dentro de la composición.

Al utilizar partes óseas, me parece que puede llegar a dar una imagen hasta macabra podría decir ya que no se acostumbra a utilizar estos elementos como para dar una imagen agradable, suave y armónica, por todo  lo que estos representan, pero Vinicio Bastidas logra de una forma original, transportarnos a un ambiente agradable y tranquilo usando este tipo de formas abstractas y poco convencionales.

Un ejemplo del contenido abstracto que personalmente, comparto con el autor, me parece agradable ya que concuerdo a la vez, en ubicar los elementos que encontré en la obra, en cada lugar en donde los ubica el autor, los colores y las formas que tal vez no hallen un sentido lógico y real pero que de cierta forma logran dar otro sentido totalmente armónico. Una composición fuerte y delicada a la vez.

“Caravaggio in Oval II” (2011):

Análisis compositivo: esta vez nos encontramos con una composición que contiene en su interior, la misma imagen encerrada en un óvalo, como en “Caravaggio in Oval I” pero esta vez lo dispone de forma diferente.

Podemos apreciar inmediatamente que hay dos figuras encerradas en óvalos, y que resaltan, tienen protagonismo en la composición, dispuestas de forma alineada horizontalmente, ligeramente bajo el centro del cuadro. Ya no se encuentra extraida solamente la silueta de la figura sino que está plasmada en  diferentes matices (uno en escala de grises y otro a color), lo que contrastando con el resto de los elementos que poseen colores opacos, resaltan.

La idea que crea en mí esta obra es de relacionar las partes óseas humanas con el personaje ubicado en la composición; estas figuras óseas, están alrededor de las figuras principales como dando la idea de recordar que hay una relación que se debe tomar en cuenta dentro de esta obra. A medida que avanzamos horizontalmente con la vista, estas partes se van separando, un efecto que le da movimiento a la obra.

También podemos apreciar que en segundo plano están dibujadas delicadamente formas diferentes como para dejar a la imaginación pero que brindan armonía al resto de la composición, con un bajo tono rojo

Análisis icónico: Se utilizan en la obra: óvalos, partes óseas humanas, como segmentos del cráneo que se van separando a medida que descienden verticalmente en 2 filas horizontales.

La acuarela amarilla, esparcida de forma libre por varias partes del cuadro, parecen dar la forma de estelas que van dejando las imágenes principales.

Se puede ver un claro orden según el tipo de forma que se tome en cuenta, como por ejemplo que el grupo de piezas óseas, posee un orden central alineado en dos filas horizontales detrás de los dos óvalos principales que contienen cada uno la misma imagen. Estos dos grupos de figuras son los únicos que se pueden apreciar a simple vista.

Hay otros grupos de formas en la composición que guardan relación entre sí pero que no se los puede apreciar a simple vista sino que poseen la característica de ser importantes dentro de la composición pero casi no deben verse para que cumplan su función.

Análisis personal: No logro apreciar a simple vista, un sentido o relación clara que posean los objetos dentro del cuadro, creo personalmente que, para que una obra sea cautivadora, debe lograrse captar inmediatamente el sentido y lo que el autor quiere transmitir con ella, lograr plasmar de una forma pura lo que desea, sin más ni menos,  por lo que pienso, esta obra no se la logró realizar con la completa inspiración.

"Fo IV Get" (2012):

Análisis compositivo: en esta obra se puede apreciar claramente que se consta de piezas humanas óseas, las mismas que están orientadas en los costados superiores e inferiores, izquierdo y derecho correspondientemente, y poseen la mayor importancia en la composición.

Se trata de resaltar a estos elementos, dentro de un ambiente en el que se le dé cierto sentido y protagonismo a los huesos; se los rodea de formas abstractas, las que a la vez, le dan un aspecto sombrío a la obra.

Se utiliza en su mayoría colores oscuros, siluetas y formas que sugieren un paisaje sumamente extraño y para ser más exacto, para relacionar con la realidad, al abrir ligeramente los ojos después de haberlos tenido cerrados por un largo período, solo se alcanzan a ver ligeras siluetas abstractas.

Análisis icónico: se observan 4 piezas óseas, las que son de mayor jerarquía e importancia, 2 de ellas están tan sólo dibujadas y las otras 2 se encuentran detalladas, cada una con diferente efecto.

Podemos ver también que se las da mayor jerarquía porque el resto de objetos o elementos se ubican alrededor de una forma no tan clara como las imágenes principales, con colores más oscuros.

Se utiliza también la pintura chorreada para representar a segmentos que en la realidad se los observa en la vegetación demasiado espesa pero dentro de un ambiente tétrico.

Análisis personal: hablando sobre las sensaciones que se provocan al analizar esta obra, encontramos un ambiente un tanto lúgubre y a la vez armónico, se percibe un aire de depresión, todo esto ya que apoyando esta vemos que se ha utilizado la pintura para dar semejante aspecto, como representando raíces largas de maleza que ha crecido entre los elementos abstractos que rodean a las imágenes principales.

"Fragmentary" (2012):

Análisis compositivo: la obra se compone de 4 figuras óseas que se pueden apreciar claramente, las que dan el sentido al título, son partes de la mandíbula humana que parecen estar mordiendo y fragmentando partes del ambiente.

Se tiene también dos formas laterales simulando paredes que se abren, dando bastante movimiento a la composición, dejando ver en el centro como de la luz exterior por llamarlo así, que se encuentra dentro del cuadro, parecen ingresar de una forma brusca y agresiva todos los elementos antes mencionados, a un cuarto oscuro.

No se puede ver un orden común inmediatamente, los objetos están dispuestos de tal forma que se percibe cierto desorden.

Análisis icónico: al analizar la obra vemos que se disponen 2 rectángulos irregulares, en forma vertical a la izquierda y a la derecha. Estos tienen la función de representar telones o segmentos sólidos que se abren a cada lado para permitir simular el ingreso de luz.

También tenemos las formas óseas que dentro de todo este ambiente, logran tener sentido y relacionarse con el título de la obra.

Los colores oscuros que sirven para resaltar lo claro, para representar el ambiente oscuro en el que se desenvuelve la situación de la obra.

Análisis personal: tenemos también esta vez, un ambiente oscuro que sugiere nuevamente esa sensación intrigante que se demuestra.

Al parecer, el autor tiene afinidad con los colores oscuros y la intensión de transmitir sensaciones un tanto tétricas por utilizar esos elementos de composición que no son tan comunes pero que llaman al interés.

"Fragile Balance" (2012):

Análisis compositivo: la obra posee varias formas ubicadas con un ritmo circular, en el que se disponen figuras óseas que van dando bastante movimiento a la imagen entera. El efecto que se les da, permite que el movimiento a apreciarse en la composición, parezca ser veloz, con un cierto grado de agresividad, en el que la pintura negra hace parte fundamental en este efecto, al esparcirla libremente con un movimiento fuerte al aplicarlo sobre cada figura, esta parece estar moviéndose según la intensión del autor.

Posee en su composición también, perspectiva, para poder dar a entender la profundidad de las imágenes. Los huesos parecen desplazarse desde un objeto ubicado en la parte superior del cuadro, que al parecer está muy atrás y estas formas van evolucionando con su movimiento hasta llegar cerca, donde está representado un espacio oscuro.

Análisis icónico: están utilizadas varias formas entre las cuales es claro apreciar las figuras óseas, las que constantemente poseen protagonismo, que con la pintura adquieren varios efectos.

Otras formas que no tienen un figura definida pero logran dar armonía a la composición; los colores amarillo, negro, blanco y gris forman parte para lograr este efecto mencionado.

"God is Dead" (2012):

 

Un título bastante peculiar. A mi parecer tiene bastante sentido y relación con lo que el autor plasma constantemente, el jugar con sensaciones peculiares al observar sus dibujos y diseños.

Esta vez nos presenta una obra que no sale de lo común en su orden, estilo y manera de disponer los elementos en el lienzo.

Se pueden encontrar otros materiales adicionales en la obra como el elemento de la tela, diseños ovalados ubicados de forma horizontal en un eje lineal vertical, que dan la sensación de ascensión; cabe destacar que es muy interesante y agradable el efecto que logra obtener el autor al pintar de tal forma que las imágenes parecen distorsionarse sin perder su figura principal, algo que hace mantener todavía la idea que la composición sugiere, jugando con el espacio y movimiento.